В Приморской картинной галерее на Алеутской, 12 работает выставка "Энергия цвета. Архетипы авангарда", на которую из Москвы прибыла 51 картина из Третьяковки. Часть из них — работы постоянной экспозиции. Читайте о знаменитых шедеврах в статье ИА Primamedia.
Постоянная экспозиция — всегда гордость музея, это самые известные произведения. Третьяковская галерея с большой тщательностью отобрала шедевры для Владивостока, часть из них — из залов Новой Третьяковки. Среди них — работа Кандинского, поздний шедевр Малевича, знаменитые эксперименты Родченко. Все они участвуют в выставке "Энергия цвета. Архетипы авангарда" — совместном проекте Третьяковской галереи, Приморской картинной галереи и Дальневосточного художественного музея, который создан при поддержке Транспортной группы FESCO. Выставка входит в культурную программу ВЭФ, картины можно увидеть в Приморье до 22 октября 2023 года.
Нико Пиросмани. Рыбак среди скал. 1906.
Нико Пиросмани. Рыбак среди скал. Фото: Фото: предоставлено Государственной Третьяковской галереей
Первая картина на выставке — "Рыбак среди скал". Она написана не на холсте, а на обычной черной клеенке. Нико Пиросмани был беден, и холсты и краски доставал с трудом. Отсюда же сдержанный колорит полотна: в арсенале художника было лишь несколько красок.
Творчество Пиросмани открыли братья Илья и Кирилл Зданевич. В 1912 году они увидели его живопись в трактире. "Совершенно оригинальная, она была тем чудом, которое мы искали. Кажущаяся простота картин была мнимой. В них легко можно было разглядеть отзвуки древних культур Востока, но традиции народного грузинского искусства преобладали" — писал Кирилл Зданевич.
Нико Пиросмани — тот художник, о котором поется в композиции Раймонда Паулса "Миллион алых роз" на стихи Андрея Вознесенского. Он действительно устелил "целым морем цветов" улицу под окнами своей возлюбленной. Певица и танцовщица из кафешантана, француженка Маргарита, красивая и изящная, поразила его воображение. "Счастливый Нико с радостью отдал свое сердце и, не раздумывая, все свое состояние" — писал Кирилл Зданевич. Но Маргарита отвергла его. Художник прожил жизнь в одиночестве и бедности.
Василий Кандинский. Белый овал. 1919.
Василий Кандинский. Белый овал. Фото: Фото: предоставлено Государственной Третьяковской галереей
Василий Кандинский стремился к тому, чтобы живопись воспринималась как музыка и действовала на эмоции человека напрямую. Он писал: "Цвет — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу".
Композиция "Белый овал" создана в 1919 году. В этот период художник постепенно выстраивал рациональную систему абстрактного искусства, которая окончательно сложилась в 1920-е годы.
"Белый овал" — своеобразная "картина в картине". Сам овал располагается на черной плоскости. А внутри него белый цвет становится фоном для разных элементов композиции. Такой фон говорит об усилении рациональности в творчестве мастера. Чуть раньше, в 1910-х годах, Василий Кандинский писал картины немного иначе: он создавал единое, многоцветное пространство. А в произведениях, подобных "Белому овалу", фон стал сценой, где развернулось особое взаимодействие линии, цвета, пятна. Поэтому "Белый овал" считается одним из важных полотен, которые фиксируют переход мастера с одного этапа творчества на другой.
Малевич. Девушка с гребнем в волосах. 1932-1933.
Малевич. Девушка с гребнем в волосах. Фото: Фото: предоставлено Государственной Третьяковской галереей
В 1910-х годах Казимир Малевич создал новую систему искусства, "супрематизм". На латинском языке "supremus" означает "высший" — потому что Малевич считал новое направление именно высшей стадией в развитии искусства. В ней живопись получала полную свободу от реальности: ей больше не нужно было показывать предметы, которые существуют в природе. Цвет проявлялся сам по себе, в геометрических фигурах, которые парят в белом пространстве.
Позже Малевич вернулся к изображению человеческих фигур. При этом он решил создать совершенно новый визуальный язык. В течение нескольких лет мастер объединял реальный облик человека и беспредметную схему. Он называл это "полуобразом" или "супрематизмом в контуре".
В "Девушке с гребнем в волосах" изображение составлено из плоскостей разных форм и цветов. Но овал лица не остается чисто белым, как фон в супрематических картинах. Приветливая улыбка, внимательные глаза создают иллюзию портрета реального человека. Хотя по одежде и внешности девушки нельзя понять, ни в какую эпоху она живет, ни чем занимается, остается ощущение, что перед нами живой человек.
Александр Родченко. Два круга. Композиция 56 (76). 1917.
Александр Родченко. Два круга. Беспредметная композиция 56 (76). Фото: Фото: предоставлено Государственной Третьяковской галереей
В середине 1910-х годов Александра Родченко увлекли эксперименты с формой, цветом, фактурами. В те годы он создал множество вариантов композиций. Изучая живопись саму по себе, он создал свой собственный вариант геометрической абстракции, который отличался от супрематизма и других направлений.
Полотно "Два круга. Композиция 56 (76)" относится к тем знаменитым экспериментам. Округлые формы, изображенные в картине, могут напоминать реальные предметы: например, планету и спутник. Но на самом деле каждая картина Родченко — это чисто живописный эксперимент, где мастер чертил окружности и прямоугольники на плоскости, составлял своеобразные конструкции, сочетал заливки с густо положенными рельефными мазками, размытые контуры — с четко очерченными фигурами.
В этой композиции он сумел изобразить круг одновременно плоским и объемным, а глубину пространства показать за счет разных тонов: теплого тона на первом плане и холодного — на дальнем. Сам художник писал в рукописи "Работа с Маяковским", что для него было очень важно доказать правоту искусства, "не пережевывающего натуру" — то есть искусства, которое не берет за основу реальность и не пытается переработать сюжеты из жизни, чтобы создать нечто совершенное.
Давид Штеренберг. Простокваша. 1919.
Давид Штеренберг. Простокваша. Фото: Фото: предоставлено Государственной Третьяковской галереей
Натюрморты Давида Штеренберга особенно полюбились зрителям. Знаменитый искусствовед Абрам Эфрос так описывал их философию: "Натюрморт Штеренберга — это мир селедки и халы. Это тарелка с одной-двумя рыбицами, одной-двумя булками <…> Они не встречают ничего рядом с собой. На цветном и холодном пространстве полотна они лежат одиноко и пустынно. <…> Штеренберг подает их нестерпимо четко и рельефно, точно на вывеске лавчонок. Он придвигает их к нам, каждый в отдельности, с набожной тщательностью, ибо это — хлеб насущный. Вся его живопись есть рассказ о хлебе насущном, которого надо припасти так немного, чтобы прожить, но над которым надо помучиться так много, чтобы достать".
Это описание точно отражает суть натюрморта "Простокваша". В первые годы СССР люди сталкивались с дефицитом, и простые продукты — селедка или простокваша — становились одновременно и повседневной базой, и ценностью. В его картинах подчеркнуто это отношение: чем меньше предметов показано в композиции, тем более драгоценными они кажутся. А особенно значительными они ощущаются в простой и лаконичной обстановке.
В "Простокваше" столешница словно специально приподнята: зритель видит, что напиток стоит на ней один. Все внимание — стеклу граненого стакана и красной этикетке. Так стандартный перекус работника начинает выглядеть как уникальная реликвия своей эпохи.
